Andrea Ypsilanti – Und morgen regieren wir uns selbst

Sie war die Hoffnungsträgerin der Sozialdemokratie und bescherte Roland Koch und seiner Hessen-CDU 2008 mit ihrem progressiven Programm eine schwere Wahlniederlage. Doch die Regierungsübernahme in Hessen scheiterte. Jetzt meldet sich Andrea Ypsilanti mit einem Plädoyer für eine zukunftsweisende linke Politik. Sie analysiert die Krise der europäischen Sozialdemokratie und demokratischen Linken, fordert die Demokratisierung der inneren Strukturen und entwickelt Ideen, wie die gesellschaftliche Linke zusammenfinden kann, um der neoliberalen Politik einen ernsthaften sozial-ökologischen Umbau entgegenzusetzen.
Andrea Ypsilanti war im Juni auf Einladung des Wissenschaftsforums der Sozialdemokratie in der Kasseler Uni zu Gast und hat ihr aktuelles Buch vorgestellt.

• Sendetermin: „Themenwechsel“, Freitag, 13. Juli 2018, 18 Uhr

Kleinhirn an alle – Otto erzählt aus seinem Leben

Jeder, der in der 70er Jahren aufgewachsen ist, kann die Sprüche, Zitate und Gedichte von Otto bis heute auswendig hersagen. Der ostfriesische Komödiant war omnipräsent – bis heute ist Otto der kommerziell erfolgreichste Spaßmacher der deutschen Nachkriegsgeschichte. Seine LPs verkauften sich millionenfach, die Filme wurden zu Kassenschlagern, viele seiner Texte gingen in den allgemeinen Sprachgebrauch ein. Die genialen Blödeleien, die größtenteils vom Autorenteam Robert Gernhardt/Pit Knorr/Bernd Eilert ersonnen wurden, verhalfen Otto zu ungeheurer Popularität; seine physische Erscheinung und seine Bühnenpräsenz machten ihn absolut unverkennbar und einzigartig. Bis heute steht Otto – inzwischen 70 Jahre alt – auf der Bühne und präsentiert seine klassischen Stücke, Songs und Szenen, aber auch neues Material. Kürzlich hat er seine Autobiographie vorgelegt, in der er die Stationen seiner Karriere Revue passieren läßt – witzig und unterhaltsam, wie man es von ihm erwarten konnte.

• Sendetermin: „Kabarett live“, Freitag, 13. Juli 2018, 22 Uhr

Eric Burdon Declares War

Diese Folge beginnt mit dem 1968er-Titel "Sky Pilot" von Eric Burdon mit seinen  New Animals - und verweist auf die damalige "Welt im Umbruch". Erschreckend aktuell! Auch in der heutigen Zeit - überall Krieg, Zerstörung, Vertreibung, Flucht, Angst und Schrecken. Der Ohrwurm von damals wandte sich in erster Linie gegen den Vietnam-Krieg und wurde in der BRD in etlichen Polit-WGs Zuhör-Standard. Das Jahr 1968 gilt auch nach 50 Jahren immer noch als sprichwörtlicher Höhepunkt turbulent-vielversprechender Ereignisse. Stichworte: Studentenbewegung, gesellschaftsveränderndes Denken und Widerstände gegen alle Arten von Autoritäten. Solcherlei musikalische Ambitionen erreichten nicht nur auch Deutschland, sondern gingen um die Welt.
Eric Burdon hatte sich damals von seinen legendären Animals in Richtung Kalifornien verabschiedet und dort rasch neue Kollegen gefunden. Er orientierte sich nun mehr in Richtung Jazz und Blues. Mit Lee Oskar zusammen begründeten sie "War". "Eric Burdon declares War" ist das Debütalbum der britisch-amerikanischen Band Eric Burdon & War, das 1970 veröffentlicht wurde. Das Album mit einer Mischung aus Jazz, Blues und Soul, der Stimme von Eric Burdon und einem rhythmusbetonten Background war beim Publikum sehr beliebt und führte zu einem großen kommerziellen Erfolg. Als Motto wurde der Slogan „We the People, have declared War against the People, for the right to love each other“ auf das Cover geschrieben. Die Titel "Tobacco Road" (John D. Loudermilk) und "Spill the Wine" wurden ganz fix Burdon-Klassiker.

• Sendetermin: „Long Distance Call“, Samstag, 14. Juli 2018, 18 Uhr

US-Schlager in deutschen Instrumentalversionen 1926 - 1929

In der heutigen Sendung wollen wir einmal mehr zeigen, daß man den deutschen Kapellen der 20er Jahre im Hinblick auf ihre Jazzambitionen oft unrecht tut - sowohl von seiten der Kritiker als auch der Plattensammler.
Natürlich darf man keine Wunder erwarten - oder doch?
Klar ist, daß Deutschland in jener Zeit der internationalen Entwicklung anfangs etwas hinterherhinkt - die Inflation, die den schon vor dem I. Weltkrieg in großem Stil betriebenen Import von Noten, Platten und vor allem Preßmatrizen erschwert und irgendwann ganz vereitelt hat, ist gerade erst überwunden.
Aber die Begeisterung für den Jazz - und überhaupt alles Amerikanische - ist vorhanden. Die Berliner kauen Kaugummi und trinken ab 1928 auch begeistert eine vorderhand aus Belgien importierte amerikanische Brause.
Die Begriffe sind zunächst noch unklar - als Jazz (in der Berliner Schnauze „Jatz“) gilt alles, was an Musik über den großen Teich kommt, auch biedere Tanzplatten. Das sollte sich ändern, aber diese Vereinfachung eröffnet nicht nur in Deutschland dem breiten Publikum den Zugang zu der neuen Musik. Nicht zuletzt deshalb wurde ein Orchesterchef wie Paul Whiteman, der zwar sehr wohl wußte, was Jazz und was ein guter Jazzmusiker war, aber sein Orchester in erster Linie mit der Tanzwut des jungen Publikums und weniger mit dessen Jazzbegeisterung ernährte, schnell zum Vorbild für viele europäische Bands.
Die neugeschaffene Rentenmark lockt ab 1924 ausländische Solisten und Orchester in die Reichshauptstadt. Mit ihrem Vorsprung in Stil und Technik weisen sie den Weg für die deutschen Kapellen. Etliche Orchester bleiben längere Zeit in Berlin oder lassen Solisten zurück, die von deutschen Orchesterleitern mit Kußhand in die Reihen ihrer Bands aufgenommen und oft zu Hunderten von Plattenaufnahmen herangezogen werden.
In Berlin haben auch solche Musiker Entfaltungs- und Verdienstmöglichkeiten, die zu Hause in den Staaten allenfalls zur zweiten Garnitur gehören würden, mag es an mangelnden Fähigkeiten oder, wie zum Glück meistens, bloß an mangelnder Fortune liegen. So etwa die Band von Lud Gluskin, die sich drüben nie wirklich in die vordersten Ränge spielen kann, die aber, zwischen Paris und Berlin pendelnd, in Europa Meilensteine der Jazzmusik auf schwarzem Schellack hinterläßt, als Botschafter der neuen, ureigenen amerikanischen Ausdrucksform ihrem Namen „Ambassadors“ alle Ehre machend. Und auch in USA als Spitzenkönner anerkannte Musiker nehmen die sich bietenden Möglichkeiten wahr, wie z.B. der Banjoist und Gitarrist Mike Danzi, der sich von 1924 bis 1939 mit nur einer kurzen Unterbrechung in Berlin aufhält und in diesem Zeitraum ca. 16.000 (!) Plattenseiten bespielt.
Die Reichshauptstadt entwickelt sich neben Paris zum Amüsierzentrum des Kontinents. Jazz und Revue sind feste Bestandteile des Unterhaltungs- und Nachtlebens.
Ähnlich wie in der Hauptstadt der Grande Nation hat man in Berlin kein Problem damit, farbige Orchester auf die größten Bühnen zu stellen (Sam Wooding und Sidney Bechet feiern in Paris wie Berlin mit ihren Kapellen wahre Triumphe) und selbst weiße und schwarze Musiker gemeinsam auftreten zu lassen. Das war in jenen Tagen sogar an der relativ liberalen US-Ostküste noch absolut undenkbar und allenfalls im Plattenstudio möglich. So bleiben auch schwarze Solisten z.T. länger als gefeierte Stars in Berlin oder kommen immer wieder zu Gastspielen - z.B. Herb Flemming, Ende der 20er als Solist mit der Wooding-Band nach Berlin gelangt, noch bis 1937 (allerdings, siehe unten, bald nur noch mit Ausnahmegenehmigung).
Auf einer unserer Aufnahmen hören Sie z.B. den Trompeter Arthur Briggs, der für die deutschen Kollegen und die meist jungen Jazzfans als eine Art Prophet galt, vom Großteil des jazzunkundigen Publikums allerdings, wie die meisten schwarzen Musiker, als exotisches Schauelement gesehen wurde.
Das sollte sich schon Anfang der 30er Jahre ändern, als die NSDAP in Preußen bereits erste Ministersessel gewann. Die braunbehemdeten Herrenmenschen verhängten ein Auftrittsverbot für Neger, wie es damals und noch lange später auch bei wohlwollenden Zeitgenossen hieß. Selbst einem Louis Armstrong war damit schon vor der reichsweiten Machtübernahme der braunen Pest der bereits geplante Auftritt in Berlin verwehrt. Die Hartgesottenen unter seinen deutschen Fans trampten 1932 nach London, um ihn zu hören.
Aber in dieser Sendung geht es um die Zeit davor, um jene Jahre, die im Rückblick wirklich die vielbeschworenen „goldenen“ 20er darstellen - nach der Stabilisierung und vor der Weltwirtschaftskrise.
Lassen Sie sich in eine Atmosphäre des Aufbruchs entführen, ins jazzverrückte Berlin der goldenen 20er Jahre!
 
Durch die Sendung begleitet Sie Thomas A. Sosna.

Diskographische Anmerkungen:
Aufnahmeort sämtlicher Platten ist Berlin.
In spitzen Klammern Matrizennummer, dahinter Marke und Bestellnummer sowie Aufnahmedatum.
Plattenmarken: Beka - Beka, El - Electrola, Gr - Grammophon, Od - Odeon, Pa - Parlophon, Po - Polydor, Vox - Vox.
Wir bringen:
 
Jazzorchester Reinhard Wenskat
- Jig Walk (Ellington) <94 bk> Gr 20502 - Juni 1926
 
Julian Fuhs und sein Orchester
- You Need Someone To Love (Olsen-Kilfeather-Frey) <BW 164-2> El EG 286 - 02.8.26
 
Tanzorchester Dajos Bela
- Black Bottom (Henderson) <Be 6051> Od O-2098a - 10.02.27
- Deep Henderson (Fred Rose) <Be 6054> Od O-2123b - 10.02.27
 
Julian Fuhs und sein Orchester
- Calling (Ernie Golden) <BW 936-2> El EG 486 - 29.3.27
 
Boulangers Jazz-Orchester
- Oh, Petruschka (Rose-Fisher) (arr. Dr. Hermann [„Ben Berlin“] Bick [Etikett: Bieck]) <1726 BB>
- Bye-Bye, Blackbird (Dixon-Henderson) <1727 BB> Vox 48451E - Ende März 1927
 
Tanzorchester Marek Weber
- Blue Skies (Irving Berlin) <BwR 1067-II> El EG 634 - 28.8.27
- Crazy Words (Milton Ager) (Einlage in der Haller-Revue „Wann und wo?“) <BwR 1068-I> El EG 639 - 28.8.27
- Hallelujah (Vincent Youmans [Etikett: Youman]) <BwR 1070-II> El EG 641 - 28.8.27
 
Tanzorchester Dajos Bela
- Do The Black Bottom With Me (Geh', Bubi!) (Geo. W. Meyer) <Be 6136> Od O-2238a - 19.9.27
 
Saxophon-Orchester Dobbri (Otto-Dobrindt-Gruppe)
- C.O.N.S.T.A.N.T.I.N.O.P.L.E. (Harry Carlton [Etikett: Karlton]) <W 34989> Pa 6.459 (frz.) - 25.6.28
 
Lud Gluskin and his Ambassadors
- Flower Of Love (Mendoza-Ruby) <1535 br> Po 22041 - ca. Februar 1929
- Crazy Rhythm (Meyer-Kahn) <1536 br> Po 22041 - ca. Februar 1929
 
Saxophon-Orchester Dobbri
- Broadway Melody (Nacio Herb Brown) <37557> Beka B-6765-I  - 10.6.29
 
Tanzorchester Marek Weber
- Tiefe Nacht (Deep Night) (Charlie Henderson) <BLR 5456-I> El EG 1433 - 12.6.29
 
Orchester Mitja Nikisch
- Hochzeit der Holzpuppen (The Wedding Of The Painted Doll) (Nacio Herb Brown) <L 37855> Pa B 27024 - 21.9.29
 
Saxophon-Orchester Dobbri
- Honey (Simons-Gillespie-Whiting) <L 37995-2> Pa B 27024 - 15.10.29

• Sendetermin: „Tanzparkett spezial“, Sonntag, 15. Juli 2018, 17 Uhr
• Wiederholung: Montag, 16. Juli 2018, 9 Uhr

Christopher Schwitanski (IMI): Die strategische Kommunikation der Nato – zwischen Öffentlichkeitsarbeit, Propaganda und Kriegseinsatz

Die Kommunikations-Konzepte der Nato zielen einerseits auf die Bevölkerung im Kriegsgebiet, welche vom eigenen Narrativ überzeugt werden soll und andererseits auf die Truppen stellenden Staaten, um Akzeptanz und Unterstützung für Kriegseinsätze zu erhöhen. Im Vortrag wird die Kommunikationsaktivität der Nato nachgezeichnet und ihr Einsatz als Kriegsmittel sowie ihre Relevanz für Kriegslegitimation und Militarisierung diskutiert. Ein weiterer Schwerpunkt wird auf der Kooperation zwischen Nato und EU im Bereich strategischer Kommunikation liegen.
Christopher Schwitanski studiert in Augsburg Sozialwissenschaften und zuvor in Landau Psychologie. Er ist Mitglied der Informationsstelle Militarisierung und beschäftigt sich Schwerpunktmäßig u. a. mit der Strategischen Kommunikation von Nato und EU.

• Sendetermin: „Kassel entrüsten“, Sonntag, 15. Juli 2018, 18 Uhr

Fresh Fish Special: Neo-Rockabilly Robert Gordon

Ja, da schau her - wie die Zeit rast ... Beim Aufräumen fiel dem Lonesome Traveler dieser Tage eine Promo-CD von Robert Gordon, dem Rockabilly-Revivalisten, vor die Füße. Nix wie ab damit in den Player: Unverkennbar seine herbe Herangehensweise an die unvergessenen Titel der Alten Meister. Er brachte Klassiker von Elvis, Carl Perkins, Eddie Cochran und Gene Vincent unter Mithilfe solch unglaublicher Gitarristenkollegen wie Chris Spedding oder Link Wray auf Tempo Einhundert10 (m/ph)! Robert Gordon war vor ziemlich genau einem Jahrzehnt zuletzt in Kassel auf der Bühne in der alten Kulturfabrik Salzmann. Da schwillt die Tolle, und die Petticoat-Bräute werden auch schon ganz raschelig bei dieser Mucke. Die Titelzeile bezieht sich natürlich auf die damals Hype-erzeugende coole Frisur von King Elvis im Filmklassiker "Jailhouse Rock" (1957). Die entsprechende Friseuranweisung am Samstagvormittag bei den damaligen Rockern in der BRD lautete: "Einmal Ölwechsel und scharfe Rasur - go man, go". Diese Folge bringtb also mal wieder die pure Nostalgie.

• Sendetermin: “Lonesome Traveler”, Sonntag, 15. Juli 2018, 19 Uhr

Ein vergessenes Album von John Coltrane

Der Heilige Gral des Jazz: ein komplettes, verschollenes John-Coltrane-Studioalbum, das der Saxophonist 1963 mit seinem klassischen Quartett in den Van Gelder Studios aufgenommen hat, erblickt das Licht der Welt. „Both Directions At Once - The Lost Album“ enthält zudem nie zuvor gehörte Coltrane-Originale.
„Keine Frage. Einundfünfzig Jahre nach seinem Ableben löst jede neue Musik von John Coltrane sofortige Begeisterung aus. Ja, riesige Begeisterung“, schreibt der Coltrane-Biograph Ashley Kahn in den Linernotes zu „Both Directions At Once - The Lost Album“. „Vor allem, wenn es sich bei dieser Entdeckung um hervorragend produzierte Studioaufnahmen wie diese handelt, die der Öffentlichkeit zum ersten Mal zugänglich gemacht werden.”
Am 6. März 1963 nahmen John Coltrane und die Musiker seines klassischen Quartetts - McCoy Tyner, Jimmy Garrison und Elvin Jones - ein komplettes Studioalbum in den legendären Van Gelder Studios auf. Diese Musik, die auch nie zuvor gehörte Originale beinhaltet, wurde jetzt nach 55 Jahren endlich veröffentlicht. Die Aufnahme ist ohne Übertreibung der Heilige Gral des Jazz. Veröffentlicht wurde “Both Directions At Once - The Lost Album” am 29. Juni von Impulse! Records, dem Label, bei dem Coltrane seine letzte Heimat gefunden hatte und seine Kreativität ihren Höhepunkt erreichte.
In der ersten Märzwoche 1963 hatte John Coltrane alle Hände voll zu tun. Er steckte mitten in einem zweiwöchigen Birdland-Engagement und bereitete sich darauf vor, am 7. März das berühmte „John Coltrane And Johnny Hartman“-Album aufzunehmen. Aber einen Tag zuvor gab es eine andere Session, um die sich bis jetzt nur Legenden rankten.
Am Mittwoch, dem 6. März, gingen Coltrane und sein Quartett in die Van Gelder Studios in Englewood Cliffs/New Jersey, um Material für ein komplettes Album einzuspielen, darunter auch Originalkompositionen, die man auf keiner anderen Aufnahme finden kann. Die Musiker verbrachten den gesamten Tag damit, die Stücke einzuspielen, probten sie zwei-, dreimal, spielten sie auf unterschiedliche Art und in unterschiedlichen Konfigurationen.
Am Ende des Tages verließ Coltrane die Van Gelder Studios mit einem Referenzband und nahm es in sein Haus in Queens mit, das er damals mit seiner Frau Naima teilte. Diese Bänder blieben die nächsten 54 Jahre unberührt und gerieten in Vergessenheit. Das offizielle Masterband dagegen wurde nie gefunden, und das obwohl Tonmeister Rudy Van Gelder nicht gerade für Unordnung bekannt war. Als sich Impulse! Records nun an Coltranes Familie wandte, um das verschollene Album endlich veröffentlichen zu können, konnte Coltranes Referenzband nicht nur aufgefunden werden, sondern befand sich auch in einem ausgezeichneten Zustand.
„Das ist so, als fände man einen neuen Raum in einer der großen Pyramiden“, bringt es der legendäre Saxophonist Sonny Rollins wunderbar auf den Punkt. Die musikalischen Implikationen dieses Albums, die nie zuvor gehörten Eigenkompositionen, die Arrangements, die Band, das Jahr, in dem es aufgenommen wurde - all dies mündet in einer Wiederentdeckung und Neukontextualisierung eines der wichtigsten Musiker unserer Zeit.
Auf diesem Album gibt es zwei völlig unbekannte und nie zuvor gehörte Originale: „Untitled Original 11383“ und „Untitled Original 11386“. Coltrane ist hier beide Mal am Sopransax zu hören. „11383“ enthält ein gestrichenes Baß-Solo von Jimmy Garrison, eine ziemliche Rarität, und „11386“ markierte einen bedeutenden Strukturwandel für das Quartett, da es zwischen den Soli immer wieder auf das Thema zurückkommt, was für das Repertoire des Ensembles nicht typisch war.
Neben den beiden ungehörten Originalen ist „One Up, One Down“ - das bisher nur auf einer Bootleg-Live-Aufnahme aus dem Birdland erschienen war - hier erstmals als Studioaufnahme zu hören. Diese Version der Nummer bietet einen faszinierenden Austausch zwischen Elvin Jones und Coltrane.
„Impressions“, eine der bekanntesten und meist aufgenommenen Kompositionen Coltranes, wird wiederum in einem klavierlosen Trio gespielt. Tatsächlich pausierte McCoy Tyner während dieser Aufnahmesession einige Male. Es ist vielleicht einer der interessantesten Aspekte dieser Session und spiegelt die harmonischen Möglichkeiten wider, über die sich Coltrane in dieser Zeit bekanntlich regelmäßig mit Ornette Coleman austauschte.
Bei dieser Studio-Session entstand auch Coltranes erste Aufnahme des Standards „Nature Boy“, den er 1965 für das Album „The John Coltrane Quartet Plays“ erneut einspielte. Die beiden Versionen unterscheiden sich stark. Die bisher bekannte ist forschend, mäandernd. Diese Version ist ausgesprochen straff, ohne Solo und mit Spielzeit von nur etwas mehr als drei Minuten. Die zweite Komposition dieses Albums, die nicht aus Coltranes Feder stammt, ist „Vilia“ aus Franz Lehárs Operette „Die lustige Witwe“. Die auf dem Sopransax eingespielte Variante der Deluxe Edition ist der einzige Track dieser Session, der bereits früher veröffentlicht wurde.
Im Verlauf dieser unglaublichen Session bemühte sich Coltrane unermüdlich um kreatives Gleichgewicht. So entwickelte er einerseits neue eigene Melodien, formulierte andererseits aber auch bekannte Standards neu. Einige Stücke spielte er zunächst auf dem Tenorsax und dann auf dem Sopransax ein. Er bediente sich älterer Techniken wie den Arpeggio-Läufen seiner „sheets of sound“, experimentierte aber darüber hinaus auch mit falschen Fingersätzen und anderen neueren Klängen.
„Both Directions At Once - The Lost Album“ ist eine wichtige Ergänzung des Coltrane-Katalogs und die bedeutendste Jazz-Entdeckung der letzten Jahre. Diese historische Session resultierte in insgesamt vierzehn Tracks. 

• Sendetermin: „Jazzcafe“, Mittwoch, 18. Juli 2018, 20 Uhr
• Wiederholung: Donnerstag, 19. Juni 2018, 12 Uhr

US-Swing, Folge 8/2018 - Less-known Swing Bands

In diesem Sommer steht weiter die Swingära im Mittelpunkt. Die Ausgabe vom 18.7. widmen wir einmal mehr einigen US-Orchestern der „II. Garnitur“, die heute außerhalb (und selbst innerhalb) von Schallplattensammlerkreisen nur noch wenig bekannt sein dürften.
Der Höhepunkt der Swingzeit war von einer gewaltigen Zahl an Orchestergründungen begleitet - „Leader of a Swing Band“ zu sein, war für viele junge Leute wohl der Traum ihres Lebens.
Verwirklicht hatte ihn z.B. der Trompeter und Sänger Bob Pope, der in den Südstaaten ansässig war und mit seinem Tanzorchester Aufnahmen für die ARC sowie das Victor-Unteretikett Bluebird einspielte.
Die größeren Plattenfirmen besaßen Aufnahmebusse, mit denen sie die US-Provinz bereisten (unter diese Einstufung fielen und fallen „drüben“ noch Städte von der Größe Frankfurts am Main). So ließen sich die am Ort populären Orchester auf Wachs bannen und Marktanteile mit den oft nicht über die Region hinaus bekannten Namen erkämpfen - bei den oben angesprochenen Einwohnerzahlen sicher gar kein schlechtes Geschäft!
Die Platten wurden offenbar oft in wenig gedämpften Theater- oder Tanzsälen eingespielt, in denen die Orchester auch auftraten. Man erkennt dies am Klangbild, das nicht dem damaligen Studioideal - einem dumpfen, trockenen Ton mit wuchtigen Bässen - entspricht, sondern meist einen deutlichen Raumeindruck wahrnehmen läßt.
Bob Popes Aufnahmesitzungen für die ARC fanden in Birmingham/ Alabama statt, für die Victor erfolgten die Einspielungen in Charlotte/ North Carolina.
Besonders der 1937 für die ARC entstandene Titel „Washington Squabble“ zeigt die Swingqualitäten von Popes Truppe, die auf vielen anderen Platten eher ein gediegenes Tanz- und Unterhaltungsrepertoire bestreitet.
Jack Pettis ist ein Name, der dem interessierten Plattensammler durchaus eher unterkommen dürfte als Bob Pope, da dieser Klarinettist und Tenorsaxophonist in den 20er Jahren eine große Anzahl Platten bespielt hat. Mit Aufnahmen aus der Swingzeit bringt man ihn im allgemeinen nicht in Verbindung. Kein Wunder, denn nach 1929 - vermutlich eine Folge der Weltwirtschaftskrise - nahm er genau eine weitere Platte unter eigenem Namen auf, und zwar am 21.4.37 in Hollywood.
Vollkommen unbekannt war unserer Redaktion bisher der Pianist Ace Harris mit seinem Sunset Royal Orchestra. In ganzen vier Titeln erschöpft sich denn auch die jazzdiskographisch erfaßte Hinterlassenschaft dieser Formation. Zwei davon können wir Ihnen in unserer Sendung vorstellen.
Eddie Stone hatte sich als Sänger bei verschiedenen Bands einen Namen gemacht. Auch er wollte auf der Swingwelle mitschwimmen und einmal selbst den Taktstock schwingen. Das tat er in New York bei der Vocalion. Wir stellen Ihnen zwei dort entstandene Platten vor.
Eine eigene Sendung haben wir Gene Kardos and his Orchestra vor längerer Zeit gewidmet. Die in dieser Ausgabe gebrachte Platte des Altsaxophonisten lag uns damals noch nicht vor. Auch sie illustriert, wieviele hervorragende Kapellen, die es nicht in die erste Reihe gebracht haben, heute, achtzig Jahre nach der Swingwelle, immer noch zu entdecken sind.
Es folgt eine Platte mit der Smallband des Sängers Tempo King, der in dieser Sitzung für Bluebird einige durchaus als Sidemen aus andern Bands bekannte Solisten im Victor-Studio um sich geschart hat, so z.B. die Gebrüder Marsala im Bläsersatz und Stan King am Schlagzeug.
Den Abschluß der Sendung bildet eine Aufnahme des in den 20er Jahren recht bekannten Pianisten Frank Froeba. Auch er beweist, daß er in der Swingzeit angekommen ist und stilistisch noch gut mit den Musikern der neuen Generation mithalten kann.
Durchs Programm führt Peter K. Michael

• Sendetemin: „Tanzparkett“, Mittwoch, 18. Juni 2018, 21-22 Uhr
• Wiederholung: Donnerstag, 19. Juni 2018, 13 Uhr